Jak zamienić rozpoznawalność w realną wartość, nie tracąc kontroli nad swoim wizerunkiem, nazwą i tworzonym contentem? Jak przygotować się na zmiany, które do branży muzycznej wprowadza AI Act?

Warsztat będzie poświęcony budowaniu, ochronie i monetyzowaniu marki artysty oraz prawnym i praktycznym konsekwencjom wykorzystywania sztucznej inteligencji w muzyce i komunikacji wizualnej. W dwóch częściach uczestnicy przyjrzą się współpracom reklamowym, prawom do wizerunku, nazwy i contentu, a także zasadom korzystania z głosu i wizerunku w projektach wykorzystujących AI.

Na konkretnych przykładach prowadzący pokażą, jak zabezpieczać własny brand, na co zwracać uwagę w umowach oraz jakie obowiązki związane z oznaczaniem treści i odpowiedzialnością poszczególnych podmiotów wynikają z AI Act. Bez prawniczego wykładu – z perspektywy realnych sytuacji, z którymi mierzą się artyści, menedżerowie, wytwórnie, agencje i producenci treści.

Marka w branży muzycznej – jak tworzyć, chronić i zarabiać na własnym brandzie?

Dowiesz się m.in.:

• jak chronić pseudonim, wizerunek i tworzony content;
• kto kontroluje nazwę i identyfikację zespołu lub wspólnego projektu;
• jak zarabiać na współpracach reklamowych, kampaniach i merchu;
• na co zwracać uwagę w umowach, aby nie oddać kontroli nad własną marką i twórczością.

AI Act w branży muzycznej – co się zmienia i jak się przygotować?

Dowiesz się m.in.:

• jak AI Act wpływa na tworzenie muzyki i treści wizualnych, takich jak teledyski, okładki czy materiały promocyjne;
• jakie obowiązki informacyjne i zasady oznaczania materiałów stworzonych lub zmodyfikowanych przy użyciu AI wprowadza nowe prawo;
• jak wygląda odpowiedzialność artysty, wytwórni, agencji i domu produkcyjnego przy wykorzystywaniu wizerunku i głosu w projektach opartych na AI.

Czy teledysk rozgrywający się zimą na Islandii może powstać w jeden dzień pod Warszawą – przy idealnym świetle zachodzącego słońca, które trwa osiem godzin? Jak przenieść koncert na środek pustyni albo do innej galaktyki? I czy premiera singla lub albumu może stać się immersyjnym wydarzeniem, w którym zaciera się granica między rzeczywistością a światem 3D?

Technologie XR i produkcja wirtualna otwierają przed branżą muzyczną zupełnie nowe możliwości. Pozwalają tworzyć teledyski, koncerty i wydarzenia hybrydowe w przestrzeniach, których realizacja tradycyjnymi metodami byłaby trudna, kosztowna lub niemożliwa. Jednocześnie dają większą kontrolę nad scenografią, światłem, czasem pracy i budżetem.

Podczas praktycznego warsztatu przygotowanego przez zespół XR Studia TVN WBD uczestnicy zobaczą, jak wygląda produkcja wirtualna wykorzystywana już w największych światowych produkcjach filmowych i widowiskach – od „The Mandalorian” po ABBA Voyage.

Prowadzący wyjaśnią, czym są technologie XR i Virtual Production, jak wygląda przejście od tradycyjnego green screena do scenografii LED generowanej w czasie rzeczywistym oraz jak te rozwiązania można wykorzystać w produkcjach muzycznych na polskim rynku. Pokażą również, na jakich etapach technologia XR pozwala usprawnić pracę i zoptymalizować koszty – oraz kiedy jej zastosowanie rzeczywiście się opłaca.

Warsztat skierowany jest do profesjonalistów z branży muzycznej i audiowizualnej, w szczególności przedstawicieli wytwórni muzycznych, managerów artystów, organizatorów koncertów, festiwali i innych wydarzeń, producentów i reżyserów teledysków, niezależnych artystów oraz przedstawicieli instytucji zainteresowanych wykorzystaniem nowych rozwiązań audiowizualnych.

To nie będzie warsztat o tworzeniu muzyki za pomocą AI, ale o pracy, która odbywa się wokół niej: umowach, rozliczeniach, dokumentach oraz wyszukiwaniu i porządkowaniu informacji.

Sebastian Bujak CEO i założyciel FONOBO Label pokaże na własnym przykładzie, które zadania rzeczywiście przekazał AI, jak wyglądało ich wdrażanie i jakie błędy popełnił po drodze. Uczestnicy sprawdzą również wybrane rozwiązania w praktyce – na własnych dokumentach i przykładach.

Z warsztatu wyjdą z co najmniej jednym gotowym promptem, który będą mogli od razu wykorzystać w swojej pracy. Przede wszystkim jednak nauczą się rozpoznawać, kiedy wystarczy dobrze sformułowane polecenie, a kiedy potrzebny jest szerszy proces, odpowiednie narzędzia i przemyślane wdrożenie. Bo właśnie od tego zależy, czy AI naprawdę usprawni pracę firmy, czy pozostanie jedynie efektowną ciekawostką.

Prowadzenie: Anna Malarowska (Verge Sound), Monika Graf (Verge Sound)

Praktyczny warsztat pokazujący, jak muzyka trafia do produkcji audiowizualnej – od briefu i poszukiwania utworu po wybór nagrania i przygotowanie go do licencjonowania.

Zakres:

• jak music supervisor szuka i wybiera muzykę;
• jak przygotować i zaprezentować katalog;
• jakie materiały i informacje trzeba mieć gotowe;
• co zwiększa szanse utworu, a co może wykluczyć go z procesu;
• jak wykorzystać potencjał starszego katalogu i archiwów;
• czym różnią się prawa do kompozycji od praw do konkretnego nagrania;
• praca na przykładowym briefie / analiza rzeczywistych przypadków.