Jak zamienić rozpoznawalność w realną wartość, nie tracąc kontroli nad swoim wizerunkiem, nazwą i tworzonym contentem? Jak przygotować się na zmiany, które do branży muzycznej wprowadza AI Act?

Warsztat będzie poświęcony budowaniu, ochronie i monetyzowaniu marki artysty oraz prawnym i praktycznym konsekwencjom wykorzystywania sztucznej inteligencji w muzyce i komunikacji wizualnej. W dwóch częściach uczestnicy przyjrzą się współpracom reklamowym, prawom do wizerunku, nazwy i contentu, a także zasadom korzystania z głosu i wizerunku w projektach wykorzystujących AI.

Na konkretnych przykładach prowadzący pokażą, jak zabezpieczać własny brand, na co zwracać uwagę w umowach oraz jakie obowiązki związane z oznaczaniem treści i odpowiedzialnością poszczególnych podmiotów wynikają z AI Act. Bez prawniczego wykładu – z perspektywy realnych sytuacji, z którymi mierzą się artyści, menedżerowie, wytwórnie, agencje i producenci treści.

Marka w branży muzycznej – jak tworzyć, chronić i zarabiać na własnym brandzie?

Dowiesz się m.in.:

• jak chronić pseudonim, wizerunek i tworzony content;
• kto kontroluje nazwę i identyfikację zespołu lub wspólnego projektu;
• jak zarabiać na współpracach reklamowych, kampaniach i merchu;
• na co zwracać uwagę w umowach, aby nie oddać kontroli nad własną marką i twórczością.

AI Act w branży muzycznej – co się zmienia i jak się przygotować?

Dowiesz się m.in.:

• jak AI Act wpływa na tworzenie muzyki i treści wizualnych, takich jak teledyski, okładki czy materiały promocyjne;
• jakie obowiązki informacyjne i zasady oznaczania materiałów stworzonych lub zmodyfikowanych przy użyciu AI wprowadza nowe prawo;
• jak wygląda odpowiedzialność artysty, wytwórni, agencji i domu produkcyjnego przy wykorzystywaniu wizerunku i głosu w projektach opartych na AI.

Czy teledysk rozgrywający się zimą na Islandii może powstać w jeden dzień pod Warszawą – przy idealnym świetle zachodzącego słońca, które trwa osiem godzin? Jak przenieść koncert na środek pustyni albo do innej galaktyki? I czy premiera singla lub albumu może stać się immersyjnym wydarzeniem, w którym zaciera się granica między rzeczywistością a światem 3D?

Technologie XR i produkcja wirtualna otwierają przed branżą muzyczną zupełnie nowe możliwości. Pozwalają tworzyć teledyski, koncerty i wydarzenia hybrydowe w przestrzeniach, których realizacja tradycyjnymi metodami byłaby trudna, kosztowna lub niemożliwa. Jednocześnie dają większą kontrolę nad scenografią, światłem, czasem pracy i budżetem.

Podczas praktycznego warsztatu przygotowanego przez zespół XR Studia TVN WBD uczestnicy zobaczą, jak wygląda produkcja wirtualna wykorzystywana już w największych światowych produkcjach filmowych i widowiskach – od „The Mandalorian” po ABBA Voyage.

Prowadzący wyjaśnią, czym są technologie XR i Virtual Production, jak wygląda przejście od tradycyjnego green screena do scenografii LED generowanej w czasie rzeczywistym oraz jak te rozwiązania można wykorzystać w produkcjach muzycznych na polskim rynku. Pokażą również, na jakich etapach technologia XR pozwala usprawnić pracę i zoptymalizować koszty – oraz kiedy jej zastosowanie rzeczywiście się opłaca.

Warsztat skierowany jest do profesjonalistów z branży muzycznej i audiowizualnej, w szczególności przedstawicieli wytwórni muzycznych, managerów artystów, organizatorów koncertów, festiwali i innych wydarzeń, producentów i reżyserów teledysków, niezależnych artystów oraz przedstawicieli instytucji zainteresowanych wykorzystaniem nowych rozwiązań audiowizualnych.