Teledysk może być narzędziem promocji utworu, ale może też funkcjonować jako samodzielna forma artystyczna – czerpiąca z malarstwa, rzeźby, architektury, tańca czy performance’u. Co odróżnia go od innych form audiowizualnych? Skąd się wywodzi i jaką rolę może odgrywać w budowaniu świata artysty? Podczas warsztatu uczestnicy przyjrzą się historii i korzeniom teledysku oraz jego związkom z innymi dziedzinami sztuki. Porozmawiają o tym, kiedy obraz staje się czymś więcej niż ilustracją utworu, a także o teledysku jako współczesnym rytuale – formie, która nadaje muzyce dodatkowe znaczenia, buduje emocje i pozostaje w pamięci odbiorców.

Dla kogo?

Warsztat jest skierowany zarówno do osób rozpoczynających pracę z teledyskiem i produkcją wideo, jak i do profesjonalistów działających już w branży. Zapraszamy twórców filmowych i reklamowych, osoby związane z produkcją, fotografów, malarzy i grafików poszukujących nowych form wyrazu, a także tancerzy i choreografów, którzy chcą poznać proces powstawania teledysku z perspektywy reżyserki. Udział w warsztacie wymaga osobnego zgłoszenia. Liczba miejsc jest ograniczona, a informację o przyjęciu prześlemy w oddzielnej wiadomości.

Praca w muzyce oznacza nie tylko twórczą satysfakcję, lecz także ciągłą ocenę, niepewność, presję sukcesu i konieczność mierzenia się z odrzuceniem. Dotyczy to zarówno artystów, jak i osób, które z nimi pracują i często dzielą odpowiedzialność za podejmowane decyzje. Jak w takich warunkach zadbać o własną równowagę? Jak radzić sobie ze stresem, tremą i krytyką, a jednocześnie nie stracić motywacji ani przyjemności z pracy w muzyce?

Podczas warsztatu uczestnicy zastanowią się, co pomaga im w rozwoju, a co odbiera pewność siebie i utrudnia działanie. Przyjrzą się własnym granicom i reakcjom na trudne sytuacje, a także przećwiczą techniki pomagające opanować stres i tremę – przed występem oraz w codziennej pracy w branży.

Spotkanie poprowadzi Anna Rusowicz – wokalistka, kompozytorka, autorka tekstów i producentka, laureatka czterech Fryderyków, a także dyplomowana psycholożka i twórczyni koncepcji „psychologii sceny”. Łącząc własne doświadczenie sceniczne z wiedzą psychologiczną, od lat prowadzi warsztaty i indywidualne sesje dla osób twórczych.

Warsztat jest skierowany do artystów i muzyków ale również do managerów, producentów, przedstawicieli wytwórni oraz innych osób pracujących na co dzień z twórcami. Każda z tych grup mierzy się z nieco innymi wyzwaniami i inaczej doświadcza presji związanej z pracą w muzyce.

brak opisu

Co sprawia, że w demie słychać potencjał na dobry singiel? Jak rozpoznać najmocniejszy element utworu, przekazać użyteczny feedback i przeprowadzić nagranie przez kolejne etapy produkcji, nie odbierając mu charakteru?

Podczas warsztatu przyjrzymy się pracy A&R od pierwszego odsłuchu do zaakceptowania finalnej wersji. Porozmawiamy o potencjale singlowym, hookach, konstrukcji i dynamice utworu, produkcji wokalu oraz budowaniu kulminacji. Pokażemy także, jak odróżnić problem kompozycyjny od aranżacyjnego, produkcyjnego lub wykonawczego i zdecydować, co rzeczywiście wymaga zmiany.

Poruszymy także temat współpraca artysty i managementu, producenta oraz A&R. Uczestnicy dowiedzą się, jak porządkować uwagi, przygotować czytelny brief i pogodzić różne pomysły na ten sam utwór. Zastanowimy się również, gdzie kończy się konstruktywna praca nad materiałem, a zaczyna poprawianie, które nie przynosi już efektów.

Druga część warsztatu będzie miała formę praktycznej sesji odsłuchowej. Uczestnicy mogą wcześniej zgłosić dema znajdujące się na różnych etapach produkcji. Na przykładzie wybranych nagrań pokażemy, jak rozpoznać najmocniejszy element utworu, ocenić jego potencjał singlowy, znaleźć i wyeksponować główny hook oraz ustalić, czy problem leży w kompozycji, wykonaniu, aranżacji czy produkcji. Każda analiza zakończy się wskazaniem priorytetów i konkretnego następnego kroku w pracy nad nagraniem.

To nie będzie konkurs, to nie będzie casting. Celem warsztatów jest pokazanie w praktyce, jak słuchać, diagnozować problemy i przekładać różne opinie na użyteczny feedback.

Dla kogo?

Warsztat jest skierowany do artystów, producentów muzycznych, songwriterów, managerów oraz osób pracujących w obszarze A&R i rozwoju repertuaru. Szczególnie skorzystają z niego osoby, które mają już doświadczenie w pracy nad własnymi lub powierzonymi utworami i chcą lepiej prowadzić materiał od wersji demo do gotowego nagrania.

Jak zamienić rozpoznawalność w realną wartość, nie tracąc kontroli nad swoim wizerunkiem, nazwą i tworzonym contentem? Jak przygotować się na zmiany, które do branży muzycznej wprowadza AI Act?

Warsztat będzie poświęcony budowaniu, ochronie i monetyzowaniu marki artysty oraz prawnym i praktycznym konsekwencjom wykorzystywania sztucznej inteligencji w muzyce i komunikacji wizualnej. W dwóch częściach uczestnicy przyjrzą się współpracom reklamowym, prawom do wizerunku, nazwy i contentu, a także zasadom korzystania z głosu i wizerunku w projektach wykorzystujących AI.

Na konkretnych przykładach prowadzący pokażą, jak zabezpieczać własny brand, na co zwracać uwagę w umowach oraz jakie obowiązki związane z oznaczaniem treści i odpowiedzialnością poszczególnych podmiotów wynikają z AI Act. Bez prawniczego wykładu – z perspektywy realnych sytuacji, z którymi mierzą się artyści, menedżerowie, wytwórnie, agencje i producenci treści.

Marka w branży muzycznej – jak tworzyć, chronić i zarabiać na własnym brandzie?

Dowiesz się m.in.:

• jak chronić pseudonim, wizerunek i tworzony content;
• kto kontroluje nazwę i identyfikację zespołu lub wspólnego projektu;
• jak zarabiać na współpracach reklamowych, kampaniach i merchu;
• na co zwracać uwagę w umowach, aby nie oddać kontroli nad własną marką i twórczością.

AI Act w branży muzycznej – co się zmienia i jak się przygotować?

Dowiesz się m.in.:

• jak AI Act wpływa na tworzenie muzyki i treści wizualnych, takich jak teledyski, okładki czy materiały promocyjne;
• jakie obowiązki informacyjne i zasady oznaczania materiałów stworzonych lub zmodyfikowanych przy użyciu AI wprowadza nowe prawo;
• jak wygląda odpowiedzialność artysty, wytwórni, agencji i domu produkcyjnego przy wykorzystywaniu wizerunku i głosu w projektach opartych na AI.

Czy teledysk rozgrywający się zimą na Islandii może powstać w jeden dzień pod Warszawą – przy idealnym świetle zachodzącego słońca, które trwa osiem godzin? Jak przenieść koncert na środek pustyni albo do innej galaktyki? I czy premiera singla lub albumu może stać się immersyjnym wydarzeniem, w którym zaciera się granica między rzeczywistością a światem 3D?

Technologie XR i produkcja wirtualna otwierają przed branżą muzyczną zupełnie nowe możliwości. Pozwalają tworzyć teledyski, koncerty i wydarzenia hybrydowe w przestrzeniach, których realizacja tradycyjnymi metodami byłaby trudna, kosztowna lub niemożliwa. Jednocześnie dają większą kontrolę nad scenografią, światłem, czasem pracy i budżetem.

Podczas praktycznego warsztatu przygotowanego przez zespół XR Studia TVN WBD uczestnicy zobaczą, jak wygląda produkcja wirtualna wykorzystywana już w największych światowych produkcjach filmowych i widowiskach – od „The Mandalorian” po ABBA Voyage.

Prowadzący wyjaśnią, czym są technologie XR i Virtual Production, jak wygląda przejście od tradycyjnego green screena do scenografii LED generowanej w czasie rzeczywistym oraz jak te rozwiązania można wykorzystać w produkcjach muzycznych na polskim rynku. Pokażą również, na jakich etapach technologia XR pozwala usprawnić pracę i zoptymalizować koszty – oraz kiedy jej zastosowanie rzeczywiście się opłaca.

Warsztat skierowany jest do profesjonalistów z branży muzycznej i audiowizualnej, w szczególności przedstawicieli wytwórni muzycznych, managerów artystów, organizatorów koncertów, festiwali i innych wydarzeń, producentów i reżyserów teledysków, niezależnych artystów oraz przedstawicieli instytucji zainteresowanych wykorzystaniem nowych rozwiązań audiowizualnych.

To nie będzie warsztat o tworzeniu muzyki za pomocą AI, ale o pracy, która odbywa się wokół niej: umowach, rozliczeniach, dokumentach oraz wyszukiwaniu i porządkowaniu informacji.

Sebastian Bujak CEO i założyciel FONOBO Label pokaże na własnym przykładzie, które zadania rzeczywiście przekazał AI, jak wyglądało ich wdrażanie i jakie błędy popełnił po drodze. Uczestnicy sprawdzą również wybrane rozwiązania w praktyce – na własnych dokumentach i przykładach.

Z warsztatu wyjdą z co najmniej jednym gotowym promptem, który będą mogli od razu wykorzystać w swojej pracy. Przede wszystkim jednak nauczą się rozpoznawać, kiedy wystarczy dobrze sformułowane polecenie, a kiedy potrzebny jest szerszy proces, odpowiednie narzędzia i przemyślane wdrożenie. Bo właśnie od tego zależy, czy AI naprawdę usprawni pracę firmy, czy pozostanie jedynie efektowną ciekawostką.

Prowadzenie: Anna Malarowska (Verge Sound), Monika Graf (Verge Sound)

Praktyczny warsztat pokazujący, jak muzyka trafia do produkcji audiowizualnej – od briefu i poszukiwania utworu po wybór nagrania i przygotowanie go do licencjonowania.

Zakres:

• jak music supervisor szuka i wybiera muzykę;
• jak przygotować i zaprezentować katalog;
• jakie materiały i informacje trzeba mieć gotowe;
• co zwiększa szanse utworu, a co może wykluczyć go z procesu;
• jak wykorzystać potencjał starszego katalogu i archiwów;
• czym różnią się prawa do kompozycji od praw do konkretnego nagrania;
• praca na przykładowym briefie / analiza rzeczywistych przypadków.